Когда: 15 мая — 16 августа 2018 года
Обзорная выставка Арте повера в Эрмитаже празднует полувековой юбилей объединения художников, чьи взгляды и принципы работы были сформулированы и предъявлены миру историком искусства и куратором Джермано Челантом. «Бедное искусство» не подразумевает нехватки ресурсов у художников, а лишь использование ими простых материалов, элементарных пропорций и жестов, не всегда видимых и заметных зрителю. Туринские, миланские и генуэзские авторы семидесятых расширили границы искусства, создавая работы из ресурсов допромышленной эпохи, противопоставляя свои произведения продуктам индустриального общества.
Лучо Фонтана «Пространственная концепция: ожидание», 1964
Холст, краска на водной основе, 115,5 × 191,5 см
Предоставлено при поддержке Фонда музеев Турина
GAM — Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino
Courtesy Fondazione Torino Musei Photo Studio fotografico Gonella
Эрмитажная выставка пытается рассказать нам всю историю и все аспекты творчества участников движения, представить его предшественников, а также работы, созданные уже после распада группы, поскольку художники продолжали свои поиски «бедного» и вне объединения. Экспозиция построена на объектах из Кастелло ди Риволи (его директор Каролин Христов-Бакарджиев выступила куратором проекта вместе с Дмитрием Озерковым), галереи современного искусства GAM, а также работах из частных собраний. Каждому автору выделен свой зал, где специфика его творчества раскрывается максимально широко.
Залы, выделенные для итальянских художников, — это пространство, где раньше экспонировались импрессионисты. Каролин Христов-Бакарджиев специально подчеркивает их сходство с помещениями Кунстхалле Берна, где развернулась знаменитая выставка «Когда отношения обретают форму: работы, концепции, процессы, ситуации, информация» в 1969 году и где непосредственно участвовали художники Арте повера.
Бернская выставка стала важнейшим событием в европейском искусстве, эпохальной является и экспозиция в Эрмитаже для российского пространства. Дело в том, что даже сейчас, спустя пятьдесят лет, движение, повлиявшее фактически на все последующее искусство, остается почти неизвестным нашему зрителю. Несколько работ были выставлены в 2011 году в Мультимедиа Арт Музее, но не более того. Ни одно издание не было переведено на русский язык, а авторы многих статей, написанных русскими авторами, основывают свои рассуждения на собственных впечатлениях, а не на оригинальных текстах итальянских художников и ведущих критиков. Петербуржский проект поставил себе задачу наконец познакомить русских зрителей и искусствоведов с настоящими работами, однако, к сожалению, не с настоящими текстами, поскольку вводные экспликации к залам художников написаны заново, при всем изобилии авторских комментариев и интервью. Не хватает и текстов Челанта как человека, который фактически и придумал это направление, во всяком случае оформил его идеологически и расписал все аспекты максимально доступно и внятно.
Марио Мерц «Что делать?», 1968
Металлический контейнер, неон, воск, 14,4 × 45 × 17,8 см
Фонд Гвидо и Этторе де Форнарис
Галерея современного искусства GAM, Турин
Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris
GAM — Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino Photo
Экспозиция развивается от первых экспериментов с материалами, проведенных Альберто Бурри в серии из мешковины, и пространственных поисков Лучо Фонтаны, художники эти не принадлежали кружку, однако именно на их исследованиях вырастают авторы Арте повера. Пьер Паоло Кальцорали совершает «Оммаж Фонтане», где при помощи механической установки предметы покрываются ледяным конденсатом и приобретают новые формы и качества поверхности. Джильберто Дзорио в объекте «Палатка» испаряет солёную воду, его же скульптура «Розовое-голубое-розовое» меняет цвет, реагируя на влажность воздуха. А в работе Марио Мерца «Что делать?» неоновая надпись «Che Fare?» плавит пчелиный воск в алюминиевой форме, сообщая нам о процессуальном характере искусства. Эти и многие другие работы Арте повера хрупкие и нестабильные. Именно поэтому Эрмитаж ограничил к ним доступ — вероятно, того потребовали правила безопасности, но жаль, поскольку в музеях всего мира до этого у зрителей была возможность обойти скульптуры и приблизиться к ним. Так, например, изолирована от посетителей работа Марио Мерца «Иглу с деревом» — эмблема всего направления, где автор сопоставляет два типа материалов — созданное природой дерево и разработанное человеком стекло. Смысл — в физическом переживании зрителем этого сопоставления, его неустойчивости и непрочности, и задумка художника состояла в том, чтобы каждый мог подойти поближе и ощутить это. По большему счёту, революционность художников Арте повера как раз и состоит в представлении хрупкости и эфемерности нашего мира, во внимании к мимолетному и быстротечному «здесь и сейчас». И когда мы читаем это в работах наших современников, можно быть уверенным, они научились этому у итальянских предшественников.
Исходя из этих соображений, можно сказать, что лучше всего экспонирована работа Джузеппе Пеноне, самого молодого участника группы, чья основная тема — многообразие отношений между природой и человеком. Его скульптура «Идеи из камня» представляет массивные валуны, якобы растущие на тонких древесных стволах, и выставлена она во дворе Эрмитажа на фоне его торжественной архитектуры, создавая дополнительные смыслы и балансируя между естественным и культурным контекстом.
Джузеппе Пеноне «Идеи из камня — 1372 кг света», 2010
16 мая в Зимнем дворце открывается выставка «Арте повера. Творческий прорыв» - обширная и показательная ретроспектива одного из самых заметных течений в итальянском искусстве второй половины ХХ века.
Сам термин «арте повера» (в переводе с итальянского - «бедное искусство») в 1967 году ввел в обиход куратор и художественный критик Джермано Челант, пытаясь дать определение работам нескольких десятков итальянских авторов, которые независимо друг от друга и непохожими способами восстали в своем искусстве против американского минимализма, предложив совсем иной способ осмысления феноменов индустриального мира. Вместо современных материалов художники движения стали использовать буквально все, что попадало под руку, - от тряпок и старых газет до веток и камней, а выставкам в авторитетных музеях и галереях предпочитали перформансы в парках и на городских площадях.
По просьбе The Village куратор выставки, сотрудник отдела современного искусства Государственного Эрмитажа Анастасия Чаладзе выбрала девять показательных экспонатов и на их примере рассказала о том, из чего состоит арте повера.
Лучо Фонтана - «Пространственная концепция: ожидание», 1964
Выставка делится на два небольших раздела. Точнее, есть выставка, а есть небольшая преамбула к ней с работами предшественников арте повера - художников, которые оказали влияние на это движение. Среди них я бы в первую очередь отметила Лучо Фонтану, который известен своими изрезанными холстами. Что роднит его абстрактные полотна с работами художников, которые абстракции противились?
Фонтану интересовали пространство, трехмерность мира, он пытался всячески использовать и исследовать это в произведениях. В его порезанных холстах пространство как бы проходит сквозь произведение, просачивается в буквальном смысле, становясь важной его частью. И еще важен жест: художник рассекает ножом холст и таким образом передает ему свою энергию - это было тем самым «бедным действием», которое вызывало у художников арте повера симпатию.
Джованни Ансельмо - «Без названия», 1967
Особенность произведений Ансельмо - в том, что он работает с воспроизведением физических состояний. Они постоянно присутствуют в жизни человека, но остаются неосознаваемыми, а иногда и неназванными. Вот, например, его работа «Без названия» - это лист плексигласа, который деформирован и скреплен железным прутом. Здесь физическое напряжение воплощено визуально.
Это очень простой, но в то же время весьма доступный способ передать физические феномены и явления. У нас будет и другая его работа: для нее он использовал железную балку, обмотал вокруг нее кусок ткани и закрепил на стене таким образом, что вес балки оттягивает ткань вниз. Но она, будто нарушая законы физики, не разворачивается. На самом деле мы постоянно являемся свидетелями подобных вещей, но не обращаем на них внимание, потому что в обычной жизни не можем наблюдать это так наглядно.
Пьер Паоло Кальцолари - «Лестница
(mi rfea pra)», 1968
Художники арте повера активно использовали различное промышленное оборудование. Вот, например, Кальцолари много экспериментировал с охладительной системой. Все его произведения, которые представлены на выставке, используют ее возможности. Работа подключается к электропитанию, металл охлаждается, покрывается инеем - и цвет поверхности меняется. И вот в таком нестабильном состоянии и постоянном изменении творец видит художественный образ: непрекращающаяся смена агрегатных физических состояний и является объектом его творческого поиска.
Здесь мы также можем найти контрасты - у работы есть некое дополнительное мистическое измерение. В основании есть фраза «mi rfea pra», напоминающая какие-то колдовские алхимические формулы. Сверху на металлической поверхности лежит перо, контрастирующее с тяжестью металла. Инею противопоставлена свеча. В результате перед нами возникает некая замкнутая и уравновешенная в себе система, в которой гармония достигнута самыми простыми способами.
Джильберто Дзорио - «Ненависть», 1969
Джильберто Дзорио интересуют движение, различные проявления энергетических процессов, состояния вещей - в этом смысле его работы чем-то похожи на то, что делал Ансельма. А еще ему, как и Кальцолари, не чужда некоторая игра в алхимию, какой-то мистический налет. Его работа «Ненависть» относится к периоду, когда Дзорио использовал слова как изображения и воспроизводил их в самых разных техниках. Здесь мы видим слиток свинца, в который, можно предположить, с яростью вбита веревка. Этой веревкой выложено слово Odio, которое с итальянского переводится как «ненависть». В результате слово и действие соединяются в единый образ, некую универсальную форму. Дзорио совершал и более смелые эксперименты: например, отпечатывал на собственном лице слова, связанные с болью, травмой. Так слово превращалось в собственный визуальный символ.
Яннис Кунеллис - «Без названия», 1969
Кунеллис - пожалуй, один из самых известных представителей арте повера. Его работы просты, но при этом почти всегда очень поэтичны. Здесь, например, мы видим обычную раскладушку, на которой разложена шерсть. Художник создает образ, где некая аморфная субстанция встречается с чем-то очень будничным и материальным. Это противопоставление природного и промышленного, живого и неживого. Причем дополнительное измерение работе придает тот факт, что обе вещи сопровождают человека на протяжении всей жизни - и кровать, которая символизирует отдых и сон, и шерсть, защищающая нас от холода.
Другая показательная работа на выставке - «Линия пальто» - посвящена проблемам памяти, воспоминаний. Устроена она тоже просто: мы видим шерстяные пальто, подвешенные на металлических рельсах. Зритель может предположить, что инсталляция посвящена каким-то безвестным рабочим, положившим свою жизнь на поднятие промышленности Италии, память о которых хранит что-то очень незначительное, имперсональное - как, например, пальто.
Марио Мерц - «Иглу с деревом», 1968–1969
Иглу - одна из наиболее узнаваемых форм, символ, благодаря которому Марио Мерц известен. В иглу он видел то совершенство, которое было присуще постройкам древних народов и превзойти которое его современникам было уже не под силу. Он воспроизводил эту конструкцию множество раз из самых разных материалов: неоновых трубок, листьев, камней. Отчасти таким образом художник подчеркивал адаптивность строения, показывал, как идеальная форма может быть использована для презентации самых разнообразных идей.
В данном случаем мы видим металлический каркас, покрытый стеклом, - конструкцию, которая ассоциируется у нас с заводскими цехами. Но при этом в отверстие в куполе иглу, как в вазу, вставлена веточка - нечто живое и хрупкое, что, с одной стороны, требует защиты, а с другой - не укладывается в созданную искусственно структуру.
Джузеппе Пеноне - «В дереве», 2010
Одна из скульптур Джузеппе Пеноне уже почти месяц стоит в большом дворе Зимнего дворца - и как бы предваряет выставку. Как известно, основной мотив у Пеноне - дерево. Это художник, который среди участников движения арте повера больше всего акцентировал внимание на связях человека и природы. Эту связь он видит в сопоставлении роста дерева и взросления человека. Здесь, например, он берет промышленный брус, предназначенный для строительства, но сделанный из цельного куска дерева. И постепенно снимает слой за слоем годичные кольца. В результате этой в высшей степени кропотливой работы дерево как бы молодеет, обнаруживая свою первичную структуру - каждую завязь, каждую веточку. И то, что оно вырезано не до конца, позволяет зрителю понять не только то, как работал художник, но и как он мыслил и какую идею хотел подчеркнуть.
Лучано Фабро - «Вешалки для белья
(из Неаполя)», 1976–1977
Арте повера возникает в тот момент, когда в музейном мире активно насаждаются новые формы искусства - в первую очередь минимализм и абстракция, где изображение кажется чем-то бездушным и легко тиражируемым, чем-то, в чем можно было увидеть очередной продукт потребления. Устав от засилья абстрактной живописи, художники арте повера старались в своих произведениях как-то деконструировать, препарировать абстракцию, преподнести ее по-новому. Вот пример: Лучано Фабро развешивал в музейных залах разноцветные куски ткани, точно шторы. «Вешалки для белья» - попытка передать игру закатного солнца над Неаполем, богатую палитру небесных оттенков. Для художника это наглядный пример того, как свет становится цветом.Очень известная работа. «Венера тряпичная» - это копия античной статуи, выполненная из бетона и как бы противопоставленная груде старых разноцветных тряпок, какого-то хлама. Еще одна работа, построенная на контрасте, - на этот раз на контрасте вечной возвышенной красоты и быстротечной моды. При этом противопоставление многократно усилено дополнительными элементами: мы видим контраст оформленного (безупречный силуэт статуи) и неоформленного (бесформенной кучи), контраст цветного и бесцветного. Пистолетто, с одной стороны, критикует общество консьюмеризма, а с другой - намекает нам, что в современном мире античный идеал уже не может считаться каким-то единственным источником вдохновения и красоты.
Фотографии: обложка – Tate International Council , – Collezione Margherita Stein / Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT / Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino , 2 – Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT / Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino , 3 – Hermitage 20/21, 4 – Paolo Pellion / Collezione Margherita Stein / Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT / Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino , 5 – Collezione Margherita Stein / Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT/ Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino, 6 – Marian Goodman Gallery , 7 – Renato Ghiazza / Collezione Margherita Stein / Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT / Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino, 8 – Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT / Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino
Какой цвет у буквы О
, как изобразить пустоту или разгадать язык общения насекомых - в российских школах и школах ближнего зарубежья продолжают удивляться вопросам олимпиады «Прорыв»
и ответам её участников.
Уникальность олимпиады в том, что она эвристическая, то есть в ней много поисковых заданий. Мы не ставим перед собой цель просто протестировать ребенка. Наша олимпиада позволяет «подстегнуть»
способности анализировать, обобщать и синтезировать информацию, а значит, всесторонне содействует развитию юного творца
.
Об олимпиаде
Автономная некоммерческая организация дополнительного профессионального образования «Межрегиональный центр инновационных технологий в образовании»
27 февраля - 2 марта 2019 года
проводит XI
I
Международную метапредметную олимпиаду научного творчества «Прорыв»
.
В олимпиаде могут принять участие все желающие учащиеся 7-11-х классов образовательных учреждений Российской Федерации и стран СНГ.
- 1 09.10.2018 Приём заявок
- 2 27.02.2019 Первый этап
- 3 15.04.2019 Итоги первого этапа
- 4 22.04.2019 Финальный этап
- 5 20.05.2019 Объявление победителей
Первый (отборочный) этап олимпиады :
Традиционно этот этап олимпиады все желающие учащиеся проходят в своём учебном заведении . В 2019 году он пройдёт 27, 28 февраля и 1, 2 марта . Конкретное время проведения выбирает образовательное учреждение. Учащимся будут предложены 6 заданий творческого характера , выполнение которых позволяет применить стандартные знания в нестандартной ситуации; при выполнении таких заданий ученик может проявить умение классифицировать, обобщать и проводить аналогии, прогнозировать результат, применяя интуицию, воображение и фантазию.
Для участия в первом этапе необходимо c 9 октября 2018 г. по 4 февраля 2019 г. подать заявку и оплатить организационный взнос одним из предусмотренных способов в размере 100 рублей за каждого участника (для детских домов, школ-интернатов - 50 рублей за каждого участника).
Все участники первого этапа получают сертификаты. При подаче заявки от трёх участников предусмотрены печатные сертификаты и оригинальные сувениры.
Второй (заключительный) этап олимпиады - дистанционный :
В 2019 году второй этап пройдёт c 22 по 28 апреля дистанционно . Все участники, прошедшие во второй этап, получат в оговоренное заранее время доступ для выполнения заданий олимпиады онлайн на сайте www.сайт . Во втором этапе принимают участие победители первого этапа (итоги подводятся по параллелям).Участие во втором этапе бесплатное.
Все участники второго этапа получают дипломы и памятные призы, победители - уникальные медали.
Участие в олимпиаде дает старшеклассникам возможность пополнить свое портфолио
, получить дополнительные баллы при подаче документов и увеличить шансы при поступлении в вузы.
Олимпиада проводится согласно ч. 2 ст. 77 Федерального закона Российской Федерации «Об образовании в Российской Федерации» № 273-ФЗ от 29.12.2012 г.
Основные отличия этой олимпиады от других заключаются в следующем:
- оценивание качества образования через оценку метапредметных результатов освоения обучающимися программ общего образования ;
- для участия и победы не требуется специальных и глубоких знаний в какой-либо области знаний, более того, высокие результаты могут показать дети с низкой успеваемостью: именно таким детям присуща «скрытая» одаренность;
- выявление и учебно-методическая поддержка одаренных детей;
- задания олимпиады являются практико-ориентированными, проблемными, исследовательскими задачами; подход к их решению может быть разнообразным: от жизненных наблюдений до применения внепрограммных знаний и научного аппарата;
- пропаганда научных знаний.
Примеры задач:
Ситуация 1. Удивительные зеркала. Если взять два зеркала, соединить их под углом 90° друг к другу и поставить между ними человека, то получится три отражения: одно впереди и два справа и слева - всего 4 человека вместе с оригиналом. Если нарисовать перед зеркалами половинку мячика так, как это сделано на рисунке справа, то мы увидим два целых мячика. Нарисуй, как расположить в угловом зеркале предметы так, чтобы получилось: 4 человека и один мячик; 6 людей; 5 мячиков. Предложи свои варианты.
Ситуация 2. Постой, паровоз, не стучите, колёса… Стук колёс образуется из-за стыков рельсов. Если делать стыки меньше, то и стук будет тише. Но по правилам стыки должны быть определённого размера. С чем это связано? Приведи примеры, где ещё в жизни используется подобный эффект.
Ситуация 3. «Повторяшки». Во фразе «Повар-варвар вар Варвар воровал» слово «вар» встречается аж 6 раз, а во фразе «Полон дум ум у Муму» 4 раза можно увидеть слово «ум». Придумай и ты такие осмысленные «повторяшки».
Ситуация 4. Почти братья. Обрати внимание на слова «подпись» и «роспись». Они очень близкие по звучанию, но не совпадающие в значениях. Или пара слов «одеть» и «надеть». Такие пары называют паронимы (гр. para - возле и onima - имя). Объясни, какая разница в следующих парах словосочетаний: «годовой отпуск» и «годичный отпуск»; «соседний дом» и «соседский дом». Приведи 3-4 своих паронима и дай им объяснение.
Ситуация 5. Непоколебимая кошка. Нередко в магазине можно встретить бездомную кошку; иногда она даже залезает в витрину и спит там. Представь, что такую кошку никак не удаётся выгнать из магазина, она постоянно возвращается и спит в витрине. Предложи способ, как можно обратить вред в пользу.
Ситуация 6. Заботливые муравьи. Не только мы заботимся о сохранении природы, в частности деревьев: на Американском континенте в полости деревьев живут «заботливые» муравьи. Те деревья, которые им понравились, они культивируют и сопутствуют их разрастанию, чтобы можно было жить популяции. Объясни, как муравьям удаётся «выращивать» деревья: ведь в отличие от людей они не могут организованно выходить на посадки.
Ситуация 7. Незнакомый Интернет. Представь, что тебе пришлось объяснять туземцам, которые никогда не знали цивилизации, что такое Интернет. Языка твоего они не понимают. Нарисуй те образы, которые помогли бы им понять, что такое Интернет, как можно точнее.
Ситуация 8. Непротиворечивая природа. В философии, как ты наверняка знаешь, сформулирован закон единства и борьбы противоположностей. Согласно ему через борьбу противоположных сил, сторон, свойств развиваются все объекты мира, в том числе социальные системы, человек и его духовность. Изобрази с помощью различных предметов своё понимание этого философского закона.
On 16 May 2018, the exhibition “Arte Povera. A Creative Revolution” opened in the State Hermitage. It presents over 50 works by Italian artists of the second half of the 20th century from the Museo d’Arte Contemporanea Castello di Rivoli (Rivoli-Turin, Italy), GAM - the Galleria Civica di Arte Moderna e Contemporanea (Turin, Italy) and private Italian collections.
The exhibition is organized by Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea (Rivoli-Torino) and The State Hermitage Museum with the participation of GAM Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea (Turin).
“We have something Italian going on all the time,” Mikhail Piotrovsky, General Director of the State Hermitage, said at the opening ceremony. “Yesterday we signed an agreement with the Italian comune Reggio Emilia, and today we are opening the latest exhibition of Italian art, the latest exhibition of contemporary art and the latest exhibition organized under our agreement with Turin. We are presenting a superb display devoted to Arte Povera, one of the most famous tendencies in 20th-century art. It arose as a protest against Futurism that glorified the modern world, machinery and the future. As a protest, artists began to turn to simple things, creating the Arte Povera movement. We are exhibiting the Arte Povera in the halls of the top floor, from where the classical art was moved quite some time ago now, but the top floor of the Hermitage is a symbol that has educated more than one generation. We were very keen to present this exhibition and it has been several years in the making. This exhibition has not been easy at all. It identified one more problem: it is hard to display contemporary art in palaces – you need to have an electricity supply. New art needs considerably more attention than the classical sort.”
At the opening ceremony Mikhail Piotrovsky greeted Antonella Parigi, Counsellor for Culture of the Piedmont region; Carolyn Christov-Bakargiev, Director of the Museo d’Arte Contemporanea Castello di Rivoli and curator of the exhibition; Marcella Beccaria, Chief Curator of the Museo d’Arte Contemporanea Castello di Rivoli; and Leonardo Bencini, Consul General of Italy in Saint Petersburg. The Hermitage Director also thanked Maurizio Cecconi, CEO of Villagio Globale International, and the Lavazza company for supporting the exhibition.
Arte Povera is still relevant “since it is synonymous with artistic freedom and profound ecological thinking, something to look to when trying to formulate a resistance to the hyper-technological society of consumption in our artificial globalized world,” states Carolyn Christov-Bakargiev. “For these artists,” she continues, “nature and culture are mutually defined and related, since nature is a cultural notion, whereas culture is not absent in nature but is subject to its rules. This attitude is particularly important today, at a time when the boundaries between the natural and the artificial grow feeble. Arte Povera artists joined an appreciation for everyday life with the respect and interest for art tradition through the centuries by creating a body of original, non-conventional, and non-dogmatic works. Mistrustful of any artistic manifestation that is too intellectual or virtuous, they were convinced that seeming incoherence could become a positive and creative value if interpreted with respect for the complexity of life. They expanded the fields of painting, sculpture, drawing, performance, and photography, often shifting from one medium and one technique to another without worrying about finding a unique and shared style.”
“Arte Povera” is the third exhibition to be part of the project of collaboration with the Lavazza company. “For Lavazza it is a great honour to be presenting the exhibition “Arte Povera. A Creative Revolution” at the State Hermitage in St Petersburg, on the fiftieth anniversary of the birth of the movement that transformed contemporary art,” Francesca Lavazza, a member of the Luigi Lavazza S.p.A. board of directors, said. “With this retrospective the company is continuing its long-standing collaboration with the famous museum and taking one more step in the development of unique projects in the realm of art and culture worldwide.”
Arte Povera – “poor or impoverished art” – is a tendency that appeared in Italy around the turn of the 1970s. The distinctive feature of the movement became its members’ striving to move away from all-consuming technical progress towards artisanal creativity. Rejecting industrial and hi-tech materials in favour of “poor” and unaesthetic ones such as rags, newspapers or tree branches, the exponents of Arte Povera were intent on liberating art from the fetters of traditionalism. Unwavering attention to the materials and processes of creative production became a common feature for artists who established a new aesthetic in European art. The term Arte Povera was first used in 1967 by the Italian critic and curator Germano Celant.
The display is housed in the legendary halls on the top floor of the Winter Palace, the decoration of which was also conceived at the turn of the 1970s. Today it seems that these rooms resemble in some elusive way the setting of the Kunsthalle in Berne – the venue with which international recognition of Arte Povera began. The exhibition includes works by Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini and Gilberto Zorio.
The exhibition “Arte Povera. A Creative Revolution” is being held as part of the Hermitage 20/21 project that aims to collect, exhibit and study art of the 20th and 21st centuries. The exhibition has been co-curated by Carolyn Christov-Bakargiev, Director of Castello di Rivoli Museo d"Arte Contemporanea and Dimitri Ozerkov, Head of the State Hermitage’s Department of Contemporary Art, with the assistance of Anastasiya Chaladze, a member of the department staff.
An illustrated brochure has been prepared for the exhibition (State Hermitage Publishing House, 2018).
The exhibition is accompanied by an extensive educational programme including a series of lectures, a gallery talk at the exhibition, a festival of installations and performances, and an intellectual marathon.
The exhibition is taking place as part of the Hermitage–Italy Foundation’s projects through the agency of Villaggio Globale International.
The exhibition is organized with the support of Lavazza, Italy.
Этим летом на «Серебряном Меркурии», фестивале рекламы и маркетинговых коммуникаций, я модерировала HR-секцию «Как управлять креативными командами?». Это, пожалуй, ключевой вопрос для каждого руководителя, особенно в сфере PR. Я спросила у лучших профессионалов в области маркетинга и PR - как же управлять талантами, чтобы их гений работал эффективно даже в отпуске или курилке? Вот некоторые цитаты и мысли.
Фото: сериал «Безумцы» (Mad Men)
Во время дискуссии управляющий партнёр агентства Comunica Михаил Умаров сказал, что творческим людям важно дать свободу и хвалить их. Ирина Тихомирова, директор по персоналу компании «Ингосстрах», говорила о том, что надо давать им шанс исправить ошибки. Александр Мурзов, консультант Odgers, считает, что креативные люди заражены «вирусом» тщеславия, и искусство руководителя - быть фасилитатором во время «пожара». Катерина Гувакова рассказывала про свой опыт работы в BBDO и убеждала, что креативные люди не истеричны, и если они сидят в курилке, то надо просто отнестись к этому с пониманием, дать отдохнуть творческому человеку.
Многое было сказано про свободу и контроль, про чёткий бриф и умение «отпускать», про лёгкую манипуляцию для достижения результата. Креативных людей убивает банальность, им хочется красивых решений, но на другом «полюсе» всегда есть необходимость достигнуть конкретные цели. Здесь нельзя путать активность с продуктивностью.
Основной рецепт для управления творческими людьми, если резюмировать все разговоры на эту тему: «Give me absolute freedom of thoroughly defined brief» (Дайте мне абсолютную свободу в рамках чётко обозначенных задач).
Вот несколько цитат от признанных гуру в своей области, которые мне удалось собрать к этой беседе.
Андрей Брагинский, PR директор Московской Биржи:
— Креативная команда - это люди, которые каждый следующий проект стремятся сделать по-новому, а не повторяют уже найденные решения. Важно их любопытство - изучать, где и что делают в мире, и придумывать что-то
своё на основе лучших творческих решений. Нужно управлять: не давить авторитетом, поощрять больше диалога и обсуждения внутри команды, избавлять от ненужной бюрократии, поддерживать свободный и творческих дух в команде.
Даниил Проскурин, директор по маркетингу компании «Ингосстрах»:
— Сначала творческую команду надо вдохновить, потом отпустить, а потом жёстко контролировать и администрировать, чтобы не сорвать дедлайн и выдать результат без потерь. От идеи до воплощения без чёткого управления всё может измениться и угаснуть.
Екатерина Сысоева, директор по маркетингу Porsche:
— Нужно предоставить профессионалам свободу мысли. Не ограничивать их корпоративной «Библией». Тогда получаются шедевры. То есть, надо уметь слышать.
Денис Терехов, управляющий партнёр агентства SNMG:
— Проблема управления креативной командой заключается даже не в том, что творческие люди не всегда способны выдержать дедлайны. Творческие личности в первую очередь - личности, а уже только потом сотрудники. Иногда начальнику приходится наступать на горло своей песне и даже брать на себя рутину. Ведь в конечном счёте именно творческие люди - двигатели коммуникационных агентств.
Ольга Дашевская, основатель агентства PR Inc:
— Гениям можно простить многое, но не стоит их перехваливать - гениальность часто испаряется в обратной пропорции к росту короны. Я обычно говорю своей команде, что вы крутые, но всегда помните, что кто-то
это может сделать лучше нас. Мы всегда изучаем талантливые кейсы конкурентов, это помогает не отрываться от земли слишком надолго и расти.
Ирина Бахтина, вице-президент по коммуникациям Unilever:
— Как часто мы видим креативную рекламу, которая не продаёт, а просто живёт своей жизнью, радуя жюри рекламных фестивалей, или креативную упаковку, которая помогает выделить продукт на полке, но делает его использование абсолютно не удобным? Креатив команды должен быть направлен в нужное русло.
Порой слушаешь потрясающую по креативу идею, наслаждаешься полётом мысли авторов, а потом деловито уточняешь: «А какую, собственно, проблему мы с вами сейчас пытаемся решить?» И вся красивая, элегантная концепция рассыпается. Креаторы - люди увлекающиеся, поэтому их просто необходимо систематически возвращать к цели, целеполаганию. Ну а если цель сформулирована чётко, и креаторы держат её в голове, то результат превзойдёт ожидания.
Оксана Беляева, экс-директор по маркетингу компании «INTOUCH страхование»:
— Важно соблюдать баланс между следованием брифу и полётом креатива команды. Креативщиков не стоит ограничивать, но важно «мягко вести» в нужном направлении.
Юлия Конева, директор по национальному маркетингу «Макдональдс»:
— Управлять креативной командой сложно, так как у людей принципиально другая, нефинансовая мотивация. Иными словами, они, конечно, должны, но не обязаны, поэтому требуются навыки несколько иные, чем в проектном менеджменте.
Нужно сделать три вещи: с тобой должно быть интересно, тебя должны слушать и, главное, тебя должны любить. Поэтому необходимо ставить интересные для них задачи, всё время показывать, что ты понимаешь и заботишься об их интересах. Чтобы тебя слушали, нужно иметь хороший трек-рекорд и помогать людям совершенствовать их идеи и продавать их внутри организации. Чтобы тебя любили, нужно сокращать дистанцию, хвалить и показывать своё человеческое нутро. Не бояться.
«Managing creatives is like driving a rally car - if you are a good driver you will go really fast, if not you will end up in the middle of nowhere with the same speed» (Управлять креативными людьми - это как управлять автомобилем на гонках: если вы хороший водитель, вы будете ехать очень быстро, если нет - с той же скоростью вы окажетесь только на полпути в никуда).
Антон Назаров, директор по связям с общественностью компании «Интер РАО»:
— При управлении креативной командой важно помнить, что это не только творчество, но и производство. Поэтому главное - не процесс, а результат к чётко обозначенному сроку. Мы не на Олимпиаде, где главное - участие. Но постоянный и чрезмерный контроль для творческих людей противопоказан. Важна «золотая середина» между тюрьмой и свободой.
Анастасия Плотникова, начальник отдела управления брендами «Газпром нефть»:
— Основные трудности при управлении креативной командой - в том, что зачастую участники команды имеют различное сформировавшееся видение и мнение о проекте. Это всегда индивидуалисты со своим мнением, и эффективное управление командой возможно только при поддержке инициативы каждого и формирования генеральной задачи (bid idea) с учётом каждого участника. Действовать нужно, направляя идеологически и являясь «центром сборки».
Текст: Ольга Дементьева, руководитель агентства HR4PR
